Nota: 5,5

Dirección: Yasemin Samdereli

Reparto: Fahri Ogun Yardin, Demet Gul, Vedat Erincin, Lilay Huser, Denis Moschito, Petra Schmidt-Schaller, Aylin Tezel

Guión: Nesrin & Yasemin Samdereli

Fotografía: The Chau Ngo

Música: Gerd Baumann

Tiene la fea y universal costumbre el ser humano, de ser especialmente severo con el extranjero. En ocasiones, con un estridente nivel de negligencia mental que, la mayoría, o eso espero, no duda en sancionar como racismo. En otras, con una sutileza impermeable mucho más peligrosa -por negociable, mezquina y poco ruidosa-.

Además, es curioso y decepcionante ver como naciones tradicionalmente exportadoras de emigrantes -como la nuestra sin ir más lejos-, no son capaces de aprender de sus cicatrices, operando en primera persona (cuando vira temporalmente la tortilla) como siempre han odiado que se les tratara en el pasado. Por todo ello, nunca es desaconsejable la producción de obras que traten de alertarnos y sensibilizarnos ante tan pandémica problemática. Con el estreno de “Almanya. Bienvenidos a Alemania”, como se figuran, nos llega un oportuno ejemplo de lo anteriormente expuesto, así como una explicación y continuación acorde con mi soflama inicial.

La cinta, que arriba a nuestras pantallas tras triunfar en su país natal, se apoya en el poder de difusión que atesora la comedia para narrar -a partir de un guión ciertamente irregular y mejorable- la trayectoria de una convencional familia turco-alemana (desde que su patriarca busca futuro en Alemania, hasta las diatribas típicas del más estricto presente).

Empastada con elementos propios del currículum vital de las hermanas Samdereli -responsables últimas de la historia-, “Almanya” supone una caricatura bienintencionada sobre las divergencias culturales entre Oriente y Occidente. Asimismo, supone una reflexión (algo difusa, eso sí) sobre las implicaciones personales derivadas del origen (y el retorno a éste), cuyo efecto fílmico final resulta -lógica y evidentemente-, menos traumático que el inducido con anterioridad por “Incendies” o “Little Senegal”.

Y es que la película supone un loable intento de escarbar en la materia eludiendo la más intuitiva de sus direcciones: el drama expeditivo. Sin embargo, y por desgracia, resulta ésta una apuesta demasiado ambiciosa para las posibilidades y aptitudes creativas que atesoran sus impulsoras a día de hoy.

Así, a pesar de emerger tierna y amable como pocas, la peli tropieza desde sus albores con la sensiblería y lo manido (tanto en lo referente al continente como al contenido), operando con destacable torpeza cuando transita por el flashback y lo onírico (recursos aquí destinados en esencia a la comicidad). Por contra, he de reseñar que se muestra algo más certera -aunque a todas luces resultadista- cuando expone los conflictos emocionales suscitados dentro del ámbito familiar (apareciendo especialmente tierna y lúcida en la relaciones interfamiliares que afectan al benjamín del grupo).

"Almanya. Bienvenidos a Alemania" trata de alinear una suerte de "Pequeña Miss Sunshine" oriental y una "Full Monty" orientada a la inmigración en lugar de al desempleo. A mi humilde parecer no lo consigue, pero su visionado implica una buena dosis de cine agradable servido en intachable factura técnica (que no es poco).

Concebida como entrañable homenaje a sus abuelos, ergo a sus orígenes, la ópera prima de Yasemin Samdereli supone por tanto, una comedia almibarada por exceso; y un sano (aunque mejorable) cebo para reflexiones de cierta profundidad: ¿A qué lugar pertenece el espíritu de un hombre? ¿Tiene nombre y bandera dicho emplazamiento? ¿Cuándo queda uno plenamente naturalizado por un lugar y sus costumbres? ¿Viene ese momento epilogado por un sello oficial? ¿Cuándo se deja de ser inmigrante?

Resumiendo: interesante, previsible, asumible, por momentos divertida, pero para nada indispensable película.

Queda dicho, quedan avisados.

Alberto G. Sánchez – pelucabrasi

Nota: 7,5

Dirección: Giorgos Lanthimos

Guión: Giorgos Lanthimos, Efthymis Filippou

Reparto: Aris Servetalis, Johnny Vekris, Aggeliki Papoulia

Fotografía: Christos Voudouris

Las películas de Giorgos Lanthimos son experiencias cinematográficas únicas; en el panorama actual, nada se asemeja al estilo y personalidad del director griego, un cineasta con una habilidad especial para hurgar en los rincones mas siniestros de la condición humana. Si en “Canino” consiguió impactar con una historia que cuestionaba la legitimidad de los actos del ser humano para “proteger” a sus seres queridos, en “Alps” analiza la imposibilidad de algunas personas para aceptar sus propias vidas y la falta de valor para intentar cambiarlas, eligiendo senderos que solo pueden conducir a la locura.

Lanthimos hipnotiza de nuevo al espectador a través de secuencias cuidadosamente planificadas y apoyadas en inquietantes interpretaciones (gran parte de sus actores son amateur), que nunca revelan claramente la naturaleza de sus personajes. La diferencia entre sus vidas privadas y sus misiones en el grupo Alpes no es tan evidente; ambas facetas se entremezclan de forma peligrosa, llegando a crear una sensación de confusión (perseguida por el director).

“Alps” dosifica lentamente la información necesaria para que el espectador entre en la dinámica propuesta por su creador. En un principio, podría pensarse que existen defectos en la narración; nada mas lejos de la realidad. Bajo una falsa apariencia de improvisación, y una cierta teatralidad en las interpretaciones (que persiguen la artificialidad en los actos de los personajes), el ganador del Premio al Mejor Guión en la Mostra de Venecia 2011 orquesta una sinfonía en la que ninguna nota suena fuera de lugar; desde la profunda melancolía de su protagonista (una fascinante Aggeliki Papoulia), hasta la ausencia de vitalidad en los miembros del grupo Alpes.

El cineasta heleno construye unos personajes que se dedican a suplantar temporalmente la vida de personas fallecidas para sofocar el sufrimiento de sus seres queridos. Esta película no solo denuncia la incapacidad del ser humano para aceptar el paso del tiempo, sino su intención de ignorarlo y vivir una mentira; ya sea llenando artificialmente vacíos espirituales que no tienen mas remedio que la resignación; ya sea intentando ocupar vidas ajenas que les ayuden a escapar de una realidad que no son capaces de afrontar.

En definitiva, Giorgos Lanthimos reclama al ser humano -y quizás mas directamente a sus compatriotas griegos- que no escape de sus problemas ni entierre su cabeza bajo tierra cual avestruz, sino que haga todo lo posible por intentar arreglarlos. Moralista o no, consigue transmitir su mensaje con gran originalidad y una contundencia indiscutible, lo cual le convierte en un cineasta necesario y una nota de color en el grisáceo panorama cinematográfico actual.

Carlos Fernández Castro

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Dirección: Zhang Yimou

Guión: Yin Lichuan, Gu Xiaobai (Novela: Ai Mi)

Reparto: Zhou Dongyu, Shawn Dou, Chen Taisheng

Fotografía: Zhao Xiaoding

Duración: 114 Min.

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Después de sus -excesivos- escarceos en el cine de artes marciales (Hero, La Casa de las Dagas Voladoras) y su curiosa incursión en el cine negro (Una mujer, una Pistola y una Tienda de Fideos Chinos), Zhang Yimou retorna al drama, el género que mejor domina. El director de la brillante “Ju Dou” logra transmitir la emoción de una difícil historia de amor en la China de Mao entre una estudiante que aspira a ser profesora del régimen y un joven ingeniero que trabaja en la zona rural. Para mostrar los continuos obstáculos que ambos amantes encuentran en su camino, Yimou utiliza varias elipsis que permiten seguir la relación a lo largo del tiempo, pero que lastran la involucración del espectador y el ritmo del film. A pesar de ello, se trata de una película emocionante, dotada de gran sensibilidad y muy aleccionadora históricamente hablando.

Carlos Fernández Castro

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Dirección: Susanne Bier

Reparto: Pierce Brosnan, Trine Dyrholm, Kim Bodnia, Paprika Steen, Sebastian Jessen

Guión: Anders Thomas Jensen

Fotografía: Morten Søborg

Duración: 120 min.

Bienintencionada e incuestionablemente bien filmada, “Amor es todo lo que necesitas” supone lo nuevo de Susanne Bier, esa estupenda creadora danesa que a todos fascinara con su anterior película, “En un mundo mejor”. Enrolada ahora en el antitético género de la comedia romántica, Bier y su guionista habitual, Anders Thomas Jensen, nos facturan una cinta acorde con sus más evidentes precedentes, esto es, previsible, romántica y, en el mejor de los casos, tangencialmente cómica. Vaya por Dios. La peli, sin embargo y por descontado, hará disfrutar a los acólitos de esta tipología de films gracias a unos protagonistas tan estereotipados como entrañables, a unos estridentes secundarios y a un marco incomparable para tan pintiparado amorío. Maridos y disciplinados novios, no teman, se deja ver.

Alberto G. Sánchez – pelucabrasi – @Pelucabrassi

Nota: 8

Dirección: Ben Affleck

Guión: Chris Terrio

Reparto: Ben Affleck, Alan Arkin, John Goodman, Bryan Cranston, Scoot McNairy

Fotografía: Rodrigo Prieto

Duración: 120 Min.

Cuando, en 1979, la embajada de los Estados Unidos en Teherán fue ocupada por un grupo de iraníes, la CIA organizó una operación para rescatar a seis diplomáticos estadounidenses que lograron escapar y esconderse en la embajada de Canadá. Este es el punto de partida de “Argo“, la nueva película detrás de las cámaras de Ben Affleck; después de verla, me atrevo a sacar al menos dos conclusiones: estamos posiblemente ante el director más prometedor del panorama cinematográfico actual; ante un aspirante a recoger el testigo, con sabor a cine clásico, que Clint Eastwood algún día cederá. Por otro lado, el bueno de Ben se ha percatado (o eso quiero pensar) de sus limitaciones como actor y ha decidido autoasignarse personajes tristones, única tonalidad expresiva que parece alcanzar su rostro.

“Argo” confirma definitivamente que Ben Affleck conoce a la perfección los resortes de la narrativa cinematográfica clásica. Pero en esta ocasión, el director californiano se muestra más ambicioso que en su previsible y simplemente correcta “The Town”; no solo asistimos a la ejemplar narración de varias líneas argumentales en paralelo, sino también a una exquisita y siempre arriesgada mezcla de géneros, en la que comedia y drama político conviven en armonía durante gran parte del metraje para dar paso a un último tercio en clave de thriller.

Affleck vuelve a exhibir un excelente olfato en la elección de actores; la presencia de Alan Arkin, verdadera estrella de la función, y John Goodman (¿Para cuándo un protagonista para este monstruo?) contribuyen al éxito de una línea argumental cómica (el rodaje de un film falso en territorio iraní como excusa para entrar en el país), tan arriesgada como fundamental para alcanzar ese extraño equilibrio emocional que contiene este film. Además, encontramos en ella varios alicientes adicionales: conocer de una manera totalmente justificada y perfectamente integrada en la trama cómo funcionaban los mecanismos internos de Hollywood a finales de los años 70; y homenajear el carácter casi mágico del Séptimo Arte, un arte no solo capaz de entretener y hacer reflexionar, sino también de resolver conflictos internacionales.

Pero hay algo que desentona en esta excelente película y le impide alcanzar la categoría de título imprescindible del género; se trate de un defecto de guión (por otro lado, de una gran categoría en general) o simplemente de una deficiente traducción en imágenes del mismo, el responsable final es el poco sutil y descarado Ben Affleck. Lamentablemente, el joven cineasta deja demasiado al descubierto los mecanismos escogidos para provocar suspense, haciéndolos demasiado evidentes para el espectador y sustituyendo torpe y drásticamente el tono realista de la primera mitad del film por otro más sensacionalista en su desenlace.

A pesar de este defecto, me resulta imposible no admirar la solvencia con la que Affleck resuelve la compleja estructura argumental de “Argo”; mantiene un ritmo trepidante (no por ello precipitado) en todo momento, y combina las diversas líneas narrativas de forma natural gracias a un montaje providencial.

“Argo”, aparte de ser un thriller político intenso y divertido, demuestra que, en ocasiones, la opción mas disparatada es la única solución posible. Todos pensábamos que Ben Affleck, un pésimo actor con ansias de trascender, estaba destinado al fracaso más estrepitoso en su propósito de ser tomado en serio; un buen día decidió ser director y triunfó en su empeño; ¿quien estaba equivocado?. Ben,  desahogate, dedícanos un “Argo-fuck-yourself” (broma correspondiente al film).

Carlos Fernández Castro

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Dirección: Benh Zeitlin

Guión: Benh Zeitlin, Lucy Alibar (Obra: Lucy Alibar)

Reparto: Ouvenzhane Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly, Lowell Landes

Fotografía: Ben Richardson

Duración: 91 Min.

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Atípico film que ha sido elogiado allí donde ha sido presentado: Sundance, Cannes… Evidentemente, se trata de una película bien rodada, pero excesivamente sensiblera y poco creíble. Además, el debutante Benh Zeitlin estira innecesariamente la duración de su primer largometraje, provocando la sensación de que sus actores han sido invitados a la improvisación con el único objetivo de rellenar los 90 minutos de metraje. A través de la omnipresente voz en off de la protagonista, el director  pretende transmitir las sensaciones que no ha sido capaz de plasmar con sus imágenes; asimismo, el abusivo empleo de la música persigue conseguir un tono dulzón absolutamente inapropiado para la temática tratada. Película tramposa con alma de drama, actitud de fábula y disfraz autoconsciente de film de culto.

Carlos Fernández Castro

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Dirección: Pablo Berger

Guión: Pablo Berger

Reparto: Macarena García, Maribel Verdú, Sofía Oria, Daniel Giménez Cacho, Ángela Molina, Pere Ponce, Josep María Pou, Inma Cuesta

Fotografía: Kiko de la Rica

Duración: 104 Min.

Debe de ser que Pablo Berger ha llegado a la suprema conclusión de que cualquier película muda y en blanco y negro es automáticamente extraordinaria. Debe de creer que por ello directores como F. W. Murnau realizaban muchas de sus obras maestras en este formato. Debe de pensar que la tonalidad grisácea convierte de manera sistemática cada fotograma en algo visualmente bello; que cada movimiento de labios, forzado e histriónico si no fuese silente, se torna natural y mesurado. “Blancanieves” se erige así como esteticismo vacuo, como un artificio técnico que busca soslayar las insignificancias de lo narrado. Si al mudo se añaden intertítulos insulsos con diálogos banales y una españolización arquetípica del cuento original, ¿qué más se puede pedir?

Alejandro Sánchez

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Dirección: Mark Andrews, Steve Purcell, Brenda Chapman

Guión: Mark Andrews, Brenda Chapman, Irene Mecchi, Steve Purcell

Reparto: Kelly McDonald, Billy Connolly, Emma Thompson

Música: Patrick Doyle

Duración: 93 min.

“Brave”, primera película Pixar completamente Disney, fue una de las más flagrantes decepciones fílmicas de 2012. Tan impoluta en lo técnico como manida en lo narrativo, la cinta no pasa de ser una bienintencionada peli de princesas en apuros. Bien es cierto que adaptada a las demandas y clichés infantiles más obvios de nuestro presente. La historia transcurre en la tribal Escocia medieval, y nos relata las aventuras de una joven beligerante con su impostado destino. La cinta, como mencionaba, carece de la habitual originalidad y atrevimiento conceptual de los clásicos de Pixar, así como de la acidez propia de su (ya) tradicional humor. De hecho, su limitada comicidad queda entregada -a modo de dote matrimonial-, al gag meramente gestual, desplazando al “adulto maduro” del epicentro de su público objetivo.

Alberto G. Sánchez – @Pelucabrassi

Nota: 8

Dirección: Jean-Marc Vallée

Guión: Jean-Marc Vallée

Reparto: Kevin Parent, Vanessa Paradis, Hélène Florent, Evelyne Brochu

Fotografía: Pierre Cottereau

Duración: 120 Min.

La nueva película Jean-Marc Vallée es una obra tremendamente arriesgada que mezcla géneros de una manera sorprendente y reincide en los temas predilectos del cineasta canadiense: la familia, la marginación y las relaciones afectivas. En esta ocasión, el director de “C.R.A.Z.Y.” va más allá; no se contenta con abordar los complejos problemas derivados de una familia disfuncional, que ya de por sí dan bastante juego, sino que los combina con elementos que a priori no deberían encajar fácilmente en este puzzle llamado “Café de Flore“.

Hablar de la última creación de Vallée sin desvelar sus claves no es tarea fácil, ya que basa parte de su impacto en un sorprendente punto de inflexión que el espectador espera durante gran parte de su metraje, pero que no da la cara hasta bastante avanzado el mismo. El director juega sus cartas sabiamente, con la confianza de quien sabe que no va a defraudar las altas expectativas que genera la película hasta ese momento.

“Café de Flore” no aborda los típicos problemas que solemos presenciar en filmes románticos o dramas familiares; tampoco utiliza los recursos que caracterizan al thriller clásico. Antoine (Kevin Parent) vive con su novia Rose (Evelyne Brochu), a la que ama apasionadamente; a su vez, comparte la custodia de sus dos hijas con su ex-mujer Carole (Hélène Florent), con la que mantiene una relación cordial; tiene una vida aparentemente ideal, pero no encuentra la paz espiritual después de su divorcio.

Ante una situación como la comentada en líneas superiores, el cineasta canadiense aporta una visión muy interesante sobre cómo el ser humano afronta determinadas situaciones traumáticas. Vallée sitúa brillantemente al espectador en el mapa emocional del corazón de sus protagonistas a través de diversas pinceladas sobre su vida en común, tanto en su época de adolescentes como en su matrimonio; de esta manera entendemos la relación tan especial que siempre tuvieron los Antoine y Carole.

Resulta inevitable reflexionar acerca del sentimiento de culpabilidad de Antoine al creer que ha fallado a la persona para la que supuestamente estaba predestinado, y al haber encontrado un nuevo amor que le llena como nunca pensó que lo haría alguien que no fuera Carole. Antoine no parece digerir esa segunda oportunidad caída del cielo y de la que no se siente merecedor; vive en una eterna contradicción emocional, tal y como reflejan las secuencias que comparte con su psicoanalista, perfectamente intercaladas a lo largo del metraje.

Pero donde verdaderamente arriesga el cineasta canadiense es en la inclusión de una nueva línea argumental que no comparte personajes ni coordenadas espacio-temporales con la protagonizada por Antoine, Carole y Rose. Asistimos emocionados a la historia de amor entre Laurent (Marin Guerrier), un niño con síndrome de Down, y su abnegada progenitora, Jacqueline (Vanessa Paradis), madre soltera que emplea todas sus fuerzas en intentar que su hijo tenga una vida plena y feliz junto a ella. Pero la emoción se mezcla con la confusión cuando el espectador se siente incapaz de encontrar la conexión entre ambas historias; el director lo sabe, y solventa lo que podría haberse convertido en un callejón sin salida dotando a esta línea argumental de una total y absoluta autonomía respecto a la principal. Aun así, es inevitable percibir una cierta relación entre ambas a poco que utilicemos la imaginación y prestemos atención al sinfín de detalles con los que Vallée anticipa el inminente cruce entre ambas tramas.

Jean-Marc Vallée firma una película visceral, que sale de sus entrañas; que requiere una mirada activa del espectador; que funciona a varios niveles y puede ser interpretada desde diferentes puntos de vista; una película protagonizada por el amor, el desamor, los remordimientos de conciencia y un sinfín de sentimientos humanos fácilmente reconocibles.

Si cortas varias naranjas por la mitad y posteriormente las mezclas, ¿sería posible que dos de esas mitades, originariamente pertenecientes a naranjas diferentes, encajaran a la perfección? Aunque quizás, lo que deberíamos preguntarnos es: ¿Realmente existe lo que entendemos como media naranja?; la que en su tiempo lo fue podría dejar de serlo en cualquier momento; ¿cómo sabemos si la hemos perdido definitivamente?; y si es así, ¿cómo aceptar que no existe tu media naranja?.

Carlos Fernández Castro

Nota: 6’5

Dirección: Paco León

Guión: Paco León

Reparto: Carmina Barrios, María León, Paco Casaus

Fotografía: Juan González Guerrero

Duración: 71 Min.

En ocasiones, las historias auténticas y los personajes extraordinarios se hallan más cerca de lo que cualquier autor pudiera imaginar; o al menos eso es lo que debió pensar Paco León cuando decidió dedicar su ópera prima en el mundo del cine a su propia familia. “Carmina o Revienta” es un híbrido a medio camino entre la ficción y la realidad que se detiene en la cotidianeidad de la vida de Carmina Barrios, una mujer de 58 años de condición humilde con un espíritu inquebrantable y una insólita habilidad para salir adelante a pesar de las adversidades.

Más allá de improductivos debates nominales de si nos encontramos ante un falso documental, un mediometraje extenso o una ficción hiperrealista, lo cierto es que la película logra conjugar distintos elementos con cierta eficacia; se distingue de forma especial el fascinante protagonismo de Carmina como eje vertebrador de una trama dispuesta en torno a la narración de un episodio tan insustancial como el robo de unos jamones en la venta que regenta junto a su marido. No obstante, León consigue reconstruir los hechos metódicamente, al tiempo que nos ofrece retazos de vida de los personajes que completan el entorno cercano a Carmina. Incluso se dejan entrever algunas dosis de incipiente estilo, que no llegan a eclosionar precisamente por el peso trascendental que juega la madre del director en la película.

Carmina Barrios monopoliza la cámara y la atención del espectador a partir de una mezcla de comicidad natural y patetismo de clase baja. Todo en ella es auténtico, veraz, un arquetipo que lejos de reducir a meros clichés las características de la mujer andaluza tradicional los proyecta de forma original y a partir de una profunda admiración y respeto. Ese casticismo espontáneo que aún hoy sigue siendo la nota predominante en nuestros barrios; donde mujeres cargadas de una voluntad aparentemente infinita se afanan entre guasas y palabrotas en la ingente tarea de sobrevivir sin perder el ánimo y la alegría, sin reventar de manera imprevisible en lugar de caminar hacia delante.

Así pues, podríamos decir que el principal valor de “Carmina o Revienta” es la autenticidad de esos diálogos que parecen ser retransmitidos directamente de la calle. Tanto es así que en ocasiones tienes la tentación de asomarte a la ventana y comprobar si realmente es la televisión lo que oyes o es una conversación que se filtra hasta tu salón. Para ello, además de la naturalidad deslenguada y tragicómica de Carmina Barrios, contribuye el desparpajo de María León, una actriz que ya demostró su talento el año pasado en “La Voz Dormida” y que aquí se vale de la complicidad con su madre para interpretar a una joven barriobajera tan creíble como divertida. Completan el reparto Paco Casasús, en la piel del marido de Carmina, y Ana María García, su amiga, ambos con sendas escenas memorables (Casasús con el soliloquio de borracho y la segunda con sus fantasías monárquicas).

Aunque muchos argumenten que la película es tan sólo una sucesión de sketches enlazados por el testimonio retrospectivo de Carmina en un débil tejido argumental, no se puede negar que Paco León logra imprimirle un ritmo ágil haciendo del filme una experiencia entrañable, un entretenimiento que los espectadores andaluces agradecerán por el mero hecho de ver en pantalla lo que están acostumbrados a presenciar en la calle; y que el resto apreciarán como una excentricidad atractiva y repleta de matices. No obstante, también parece apresurado catalogar a León como un autor de talento con una única película como bagaje, más aún cuando esta no es ni de lejos perfecta, tanto visual como narrativamente.

Lo que si se debe reconocer es la valentía del actor televisivo al emprender un modelo pionero en la distribución de la película, basado en ofrecerla en todos los canales disponibles, desde las salas de cine hasta el DVD pasando por el alquiler en las plataformas de cable o la descarga ‘legal’ en la red. Una práctica que hasta ahora nadie se había atrevido a poner en marcha pero que supone una vía para el futuro de una industria, la del cine, que no atraviesa por sus mejores momentos, precisamente debido a la falta de ideas y osadía. El cine ya no es sólo una actividad de fin de semana para parejas o grupos de amigos que acuden a las salas para encontrar entretenimiento, sino un producto cultural que debe adaptarse a los nuevos patrones de consumo (en muchos casos compulsivo) de la ciudadanía. De hecho, “Carmina o Revienta” ya es la película con mayor número de descargas ‘legales’ de la historia a partir de una intensa campaña de promoción en las redes sociales y unos precios moderados que han atraído a miles de espectadores en tan sólo unos días.

Premiada con distintos galardones en el pasado Festival de Málaga, “Carmina y Revienta” supone un excelente estímulo para el cine español, basando su éxito en la figura impagable de su protagonista femenina, a partir de la que construye una historia que permanece siempre en segundo plano ante la poderosa presencia de esta y sus diálogos auténticos como la vida misma. El debut de Paco León en el cine no es una película completa, pero sí diferente, atrevida, castiza, sin complejos. Algo más que admirable en los tiempos que corren.

Jesus Benabat