Nota: 7

Dirección: Paolo Sorrentino

Guión: Paolo Sorrentino, Umberto Contarello

Reparto: Sean Penn, Frances McDormand, Eve Hewson, Judd Hirsch

Fotografía: Luca Bigazzi

Música: David Byrne, Will Oldham

Duración: 118 Min.

El último trabajo de Paolo Sorrentino es tan particular como el cine que lleva haciendo en los últimos años: “Las Consecuencias del Amor”, “Il Divo”… El cineasta italiano ha vuelto a crear una obra inclasificable, haciendo suyo un género tan americano como el road-movie, gracias a la independencia que le otorga el capital italiano con que está financiada la película. “Un Lugar donde Quedarse” está lejos de la perfección, pero es indudablemente una película con personalidad, repleta de logros técnicos, que contiene momentos extrañamente poéticos, y que camina a lo largo de sus dos horas de metraje con la misma inocencia y convicción con la que lo hace su carismático y excéntrico protagonista.

Sorrentino construye su film a partir de una presentación inicial en la que conocemos a su protagonista y el entorno en el que se mueve; aun así, Cheyenne (Sean Penn) sigue siendo un secreto que tan solo el transcurso de los minutos ayuda a descifrar. El director italiano dosifica la información en torno a este curioso personaje de una manera indirecta -en el primer tercio del film, a través de sus relaciones con su mujer y sus conocidos- y mas directamente a medida que éste emprende su viaje físico y emocional a lo largo y ancho de los Estados Unidos.

“Un Lugar donde Quedarse” es una película que sigue el ritmo que marca un protagonista fuera de lo normal; pieza en torno a la cual giran todos sus acontecimientos, y responsable directo de los numerosos baches en la narración. Y es que este largometraje adolece de una cierta discontinuidad, provocada por los diferentes e inconexos episodios en que Sorrentino divide la cruzada de Cheyenne. Quizás éste sea el principal lastre de un film original y distinto, pero carente de la coherencia necesaria como para ser tomado realmente en serio; a pesar de que trate sobre el viaje que un hijo realiza para encontrar al torturador de su padre mientras estaba retenido en un Campo de Concentración nazi.

Bien cierto es que Sorrentino huye de los convencionalismos y se aproxima voluntariamente al esperpento; el objetivo es mostrar, desde un punto de vista insólito, la extravagante vida y alocadas aventuras de una ex-estrella de pop que decide volver a los Estados Unidos a causa de la enfermedad terminal de su padre.

Por todo lo mencionado anteriormente, resulta sorprendente que “Un Lugar donde Quedarse” funcione como película. Y es que, a pesar de sus taras, la ultima creación del director de “Il Divo” contiene grandes aciertos que la hacen merecedora de una oportunidad: el excelente olfato de la cámara de Sorrentino, que saca lo mejor de los exuberantes paisajes norteamericanos por los que transita su protagonista; la construcción de Cheyenne: un personaje tan extravagante y pasado de vueltas como inocente, bondadoso y rompedor gracias a la arriesgadísima composición de Sean Penn (injustamente criticada y muy meritoria), y a las situaciones que el cineasta italiano diseña para él; y una banda sonora, compuesta con gran acierto entre David Byrne y Bonnie “Prince” Billy, que suaviza las bruscas transiciones comentadas anteriormente.

Al ver este film, es inevitable sospechar que Sorrentino ha hecho lo que ha querido sin responder a presiones externas y con absoluta libertad creativa. El espectador queda gratamente sorprendido al escuchar por boca de Cheyenne las acertadas reflexiones del cineasta italiano a cerca de las consecuencias del éxito, la verdadera naturaleza del arte, el sentido de la venganza, el peso de un pasado mal digerido y la diferencia entre ser adulto y haber alcanzado la madurez. Porque en esto consiste el mensaje de “Un Lugar donde Quedarse”, en mostrar uno de los caminos posibles que podemos recorrer, hasta alcanzar la madurez necesaria para gobernar nuestras vidas; un camino en el que, como le sucede a Cheyenne, no tenemos por qué perder la honestidad y la inocencia; en definitiva, un camino por el que también parece avanzar con paso firme la filmografía de Paolo Sorrentino.

Carlos Fernández Castro

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Director: George Sidney

Guión: Robert Ardrey (Novela: Alexandre Dumas)

Reparto: Gene Kelly, Lana Turner, June Allyson, Van Heflin, Angela Lansbury

Fotografía: Robert Planck

Duración: 128 Min.

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“Los Tres Mosqueteros” es un sueño hecho realidad para todo amante de los personajes creados por Alejandro Dumas; la película de George Sidney es una de esas grandes cintas de aventuras (El Temible Burlón, El Halcón y la Flecha, Robín de los Bosques), abundantes en la Edad de Oro de Hollywood, que están dotadas de un ritmo endiablado y garantizan toneladas de diversión y entretenimiento.  Destaca en ella la interpretación de un exultante Gene Kelly, que compone sus duelos como si de uno de sus famosos bailes se tratara, desprendiendo una vitalidad incontrolable. La película mezcla asombrosamente acción y comedia, sin prescindir de un toque oscuro (personificado en el pérfido personaje interpretado por una magnífica Lana Turner), que la separa parcialmente del tono infantil típico del género en la época. Todo un clásico.

Carlos Fernández Castro

El Ángel entre la Niebla

Dirección: Karlos Alastruey

Reparto: Aintzane Alastruey, Joaquín Calderón

Sinopsis: Saioa lleva años atormentada por recuerdos de una experiencia horrible que tuvo cuando era adolescente, en la que murieron su hermana y otras personas. Diez años después, Saioa puede cambiar las cosas, y gracias al misterioso poder de un lugar especial en los bosques, viaja en el tiempo dispuesta a ponerlo todo en su lugar. Pero su vida no es la única que cambió en aquel momento, y al alterar su pasado altera también las vidas de otras personas.

Bandeja de Plata pre-opina: los enigmáticos trailer de esta película que podemos encontrar en la red vaticinan una película interesante; no una mas sobre viajes en el tiempo, sino algo que va mas allá, como en su momento hizo Nacho Vigalondo y sus “Cronocrímenes”. Estética interesante y contenido prometedor.

El Canguro (The Sitter)

Dirección: David Gordon Green

Reparto: Jonah Hill, Sam Rockwell

Sinopsis: Todo comienza con un simple favor que con el tiempo se transforma en algo terrible. Cuando el peor canguro del mundo (Jonah Hill) embarca a los tres peores niños del mundo en una inolvidable aventura nocturna por las calles de la ciudad de Nueva York, con transporte de drogas y strippers incluidas, nadie puede predecir quién va a volver a su casa de una pieza…

Bandeja de Plata pre-opina: Jonah Hill está asaltando nuestras carteleras inclementemente en los últimos tiempos; lo que al principio hacia gracia, empieza a convertirse en hartazgo. Si bien es un actor con talento, esto no debería implicar que se embarque en un proyecto tan poco interesante y poco original como este. Para no perder el tiempo. ¿Recordáis “Atrapados en la Gran Ciudad”?

La Sombra de la Traición (The Double)

Dirección: Michael Brandt

Reparto: Richard Gere, Topher Grace

Sinopsis: Un senador estadounidense es asesinado en Washington por un espía ruso. Un agente de la CIA retirado (Richard Gere) se ve obligado a colaborar con un joven agente del FBI (Topher Grace) para atrapar al criminal.

Bandeja de Plata pre-opina: estamos claramente ante una rutinaria buddy-movie (película de compañeros de trabajo) en la que se siguen al pie de la letra todas y cada una de las convenciones del genero, sin ni siquiera dejar lugar a la sorpresa (desvelada en el trailer y el titulo)…lo de Gere lleva tiempo siendo lamentable, pero Topher Grace prometía.

Profesor Lazhar (Monsieur Lazhar)

Dirección: Philippe Falardeau

Reparto: Mohamed Fellag, Sophie Nélisse

Sinopsis: Un maestro de primaria de origen argelino entra en contacto con un grupo de adolescentes de Montreal, obsesionados por el misterio de la muerte.

Bandeja de Plata pre-opina: un nuevo bocado de cine canadiense, ganadora de la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Con tan solo leer su argumento y ver su trailer, tenemos la certeza de estar ante una película especial, que sigue la tradición de “Incendies” en cuanto al cine que Canadá presenta para los Oscar. Muchas ganas de verla.

Un Feliz Acontecimiento (Un Hereux Evenement)

Dirección: Rémi Bezançon

Reparto: Louise Bourgoin, Pío Marmaí

Sinopsis: El guión, escrito por el director y Vanessa Portal, adapta una novela de Eliette Abeccassis, protagonizada por una pareja que vive como si fueran solteros sin hijos. La llegada de un bebé cambia drásticamente su vida cotidiana convirtiéndola en un verdadero calvario.

Bandeja de Plata pre-opina: según el director, el film “habla con humor y ternura de la felicidad, y también de las dificultades de ser padres jóvenes”. El trailer apunta buenas maneras y las intenciones son de lo mas loables; una película interesante que por fin parece mostrar, desde un punto de vista adulto, que significa tener un hijo, sin prescindir de un cierto sentido del humor.

Xora

Dirección: Peio Cachenaut

Reparto: Jef , Domika Recalt

Sinopsis: Hundido en la rutina de la cotidianidad y poco entusiasmado por sus perspectivas profesionales, un joven de Zuberoa, decide dedicarse por entero a la literatura. Vuelve entonces a relacionarse con su tío, un excéntrico escritor apodado «Hollywood » que triunfó en América y que ahora vive aislado en la montaña. Sus momentos de alegría se dividen entre sus excursiones al refugio de su tío y las horas que pasa con su novia Nerea, recién llegada a Zuberoa tras un largo viaje por un país lejano. A medida que la escritura se convierte en la actividad más importante de su vida, empieza a percibir cambios sutiles en su entorno; sin embargo, no se da cuenta de que un misterioso hombre de negro lo acecha de día y de noche, provocando a su alrededor extraños acontecimientos. Nerea, en cambio, percibe inmediatamente la presencia del intruso y empieza a comprender lo que está sucediendo.

Bandeja de Plata pre-opina: debut de Peio Cachenaut con un argumento enigmático y muy prometedor. Carezco de referencia alguna para poder opinar o vislumbrar el resultado final de “Xora”; un misterio que probablemente nunca llegare a descubrir por su escasa distribución y por la gran cantidad de cine interesante por ver.

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Dirección: Edgar Neville

Guión: Edgar Neville, José Santugini (Novela: Emilio Carrere)

Reparto: Antonio Casal, Isabel de Pomés, Julia Lajos

Fotografía: Enrique Berreyre

Duración: 81 Min.

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Edgar Neville es uno de los personajes más curiosos y carismáticos del cine español. Conde de Berlanga del Duero, abogado, se alistó con los Húsares (caballería ligera) en la Guerra de Marruecos, diplomático, dramaturgo, amigo y actor de reparto de Charles Chaplin, guionista de la Metro Goldwynn Mayer, reportero de la guerra civil con el ejército franquista y director de cine entre otras cosas. En 1944 filmó esta adaptación de la novela de Emilio Carrere en la que mezcla, con primorosa maestría el terror, lo castizo del Madrid de la época, una trama policial y humor; todo con un toque gótico y un aire tenebroso heredero del expresionismo alemán, que hacen de esta película (pionera en el cine fantástico español) una obra imprescindible para cualquier cinéfilo .

David Rubio Lucas

Nota: 9,5

Dirección: John Ford

Guión: Frank S. Nugent

Reparto: Henry Fonda, John Wayne, Ward Bond, Victor McLaghlen, Shirley Temple, Pedro Armendáriz

Fotografía: Archie J. Stout

“…y seguirán viviendo mientras el regimiento viva. Su paga son 13 dólares al mes; su dieta, judías y heno. Quizás carne de caballo antes de que acaba la campaña…Las caras puede que cambien…los nombres…pero están ahí: son el regimiento, el ejército regular…ahora y dentro de 50 años. Son mejores hombres de lo que eran antes; Thursday lo hizo, los convirtió en un destacamento del cual estar orgulloso“.

Si alguna vez os habéis preguntado por qué muchos consideran a John Ford como a uno de los mas grandes, “Fort Apache” (componente y mejor exponente de la “Trilogía de la Caballería”, junto a “La Legión Invencible” y “Río Grande”), es una de las múltiples respuestas posibles. John Ford no hacia westerns, hacia películas sobre el ser humano y sus principales virtudes y defectos; sobre la historia del oeste americano; sobre cómo las personas a las que les tocó vivir la época de la colonización, tuvieron que buscarse la vida para poder sobrevivir a condiciones tan adversas como las que afrontaron los protagonistas de esta película. Ya fueran mujeres, jóvenes cadetes recién salidos de la academia, veteranos soldados, o los viejos del lugar cuyos ancestros procedían probablemente de cualquier país europeo, todos se hicieron un hueco a base de lucha y esfuerzo.

En “Fort Apache”, al igual que en su vida privada, John Ford construye su particular micro mundo, en el que la relativamente apacible existencia de un destacamento americano -afincado en un Fuerte, para defender el territorio de invasiones apache- es alterada por la llegada del Coronel Owen Thursday (Henry Fonda), que viene acompañado de su hija Philadelphia (Shirley Temple);  el oficial ha sido destinado al mismo como castigo por sus fracasos militares, y pretende demostrar a sus superiores el error que, en su opinión, han cometido.

La situación narrada en “Fort Apache” podría ser trasladada a cualquier centro de trabajo del S XXI; ¿quién no ha sido víctima de un jefe cuyos delirios de grandeza, aderezados con grandes dosis de ineptitud, han transformado la jornada laboral de sus subordinados en un infierno diario? John Ford muestra con claridad cómo el egoísmo de un solo hombre puede llevar de cabeza a un grupo de personas que dependen de sus decisiones y de su buen o mal criterio.

Como si de un ring de boxeo se tratara, Ford coloca a ambos lados de la lona la responsabilidad frente a la ambición personal; los intereses de una comunidad frente a los de un solo individuo; el sentido del honor frente al amor propio…y todo ello sin la menor intención de buscar culpables o señalar con el dedo; tan solo persiguiendo el mero aprendizaje de los errores cometidos.

Pero “Fort Apache” también tiene su valor como testimonio de una época en la que los Estados Unidos era un Estado en construcción; como un homenaje a aquellos que lucharon por domar el salvaje oeste, fuera justa o injustamente dependiendo del territorio a conquistar. El director americano tampoco olvida las condiciones extremas a las que tenían que someterse las familias de estos soldados para mantenerse unidas e ir consolidando los cimientos sobre los que se construyó un país de la nada.

En esta película volvemos a disfrutar del paticularísimo sentido del humor que salpicaba la mayor parte de sus obras; una vez más, los encargados de este menester fueron Victor MacLaghlen y Ward Bond, dos actores que tanto en la vida real como dentro de la gran pantalla eran los candidatos ideales a protagonizar la mas antológica de las borracheras, al igual que aliviar el mas grande de los problemas con una amigable charla.

Mención a parte requieren John Wayne y Henry Fonda, dos actores habituales en la filmografía de Ford. En esta ocasión, Fonda asume el protagonismo absoluto del film, interpretando a Owen Thursday, un personaje poco atractivo al que, sin embargo, dota de una extraña dignidad que queda reflejada desde su elegante forma de andar hasta la manera en que da órdenes disparatadas a sus subordinados. Se trata de un oficial demasiado orgulloso como para reconocer que ha cometido un error, a pesar de que una rectificación salve numerosas vidas humanas. Wayne queda relegado a un segundo plano, aportando su arrollador carisma al Capitán Kirby; un tipo honrado, disciplinado y compasivo.

“Fort Apache” es la quintaesencia del cine de John Ford; es un western y a la vez una película de aventuras; enfrenta a sus personajes por la defensa de valores que considera inquebrantables, estudia la justificación de determinadas tradiciones y su posible flexibilización…en definitiva, refleja la personalidad de un director fundamental en la historia del cine. El talento narrativo del cineasta americano convierte a esta película en una obra apta para todos los públicos, entretenida y trepidante, que invita a una reflexión actual, independientemente de la época y el lugar en el que se desarrolla.

Carlos Fernández Castro

A pesar de tanta estrella rutilante, después de ver las imágenes de este trailer no puedo evitar haber sufrido una pequeña decepción, que probablemente el visionado completo de la película hará desaparecer. Las imágenes no parecen tener el poderío que se le supone a un film de este tipo, y las interpretaciones paracen haber sido llevadas al límite, o no haber sido controladas por el inexperto director.

Probablemente, Ryan Gosling volverá a demostrar que es uno de los tres mejores actores del momento, y Sean Penn habrá dejado volar todo su histrionismo en su interpretación de Michey Cohen, un poderoso Gangster judío de los años 40 que el citado “Gangster Squad” tiene que encargarse de atrapar.

Carlos Fernández Castro

Como siempre ocurre en estos menesteres, algunos echaréis en falta el nombre de grandes cineastas, y otros pensaréis lo contrario. Después de descartar nombres que considero fundamentales en la Historia del Cine, el resultado ha sido el siguiente:

(podéis clicar en el nombre de cada director para comprobar todo lo que hay de él en Bandeja de Plata)

Howard Hawks

No me cansaré de decirlo; Howard Hawks ha sido el único director que se ha atrevido con casi todos los géneros, logrando filmar en casi todos ellos una obra maestra: “Scarface” en el cine de Gángsters, “La Fiera de mi Niña” en la Comedia, “Solo los Ángeles tienen Alas” en el Drama, “Río Bravo” en el Western, “Hatari” en el cine de Aventuras, “Sargento York” en el cine Bélico, “El Sueño Eterno” en el cine Negro, “El Enigma de otro Mundo” en la Ciencia-Ficción, y “Los Caballeros las prefieren Rubias” en el Musical. Evidentemente, no alcanzó en todos ellos el mismo grado de excelencia -siendo sus esfuerzos menos satisfactorios los correspondientes al musical y a la ciencia-ficción-, pero siempre estuvo muy cerca de la perfección.

Reconocerás su Cine por: excelente ritmo narrativo; gran sentido del humor en todo tipo de situaciones; acertada dirección de actores; versatilidad en el tratamiento de temas; predominante concepción del cine como entretenimiento; ensalzamiento de los valores humanos.

La Joya de la Corona: “Río Bravo” (1959) es, sin duda, la máxima expresión de la versatilidad de este inigualable cineasta; varios géneros convergen de forma natural y perfectamente engranados en una de las películas mas completas de la Historia del Cine.

Sus 3 Películas Imprescindibles: “Scarface” (1932), “La Fiera de mi Niña” (1938) y “El Sueño Eterno” (1946).

Actor/Actriz Fetiche: Cary Grant y John Wayne

John Ford

Cuando preguntaron a Orson Welles cuales eran sus tres directores de cine favoritos, sin dudarlo respondió: “John Ford, John Ford y…John Ford”. Ford decía de si mismo: “Me llamo John Ford y dirijo películas del oeste”. Desde que leí esta frase por primera vez, me he permitido el lujo de contradecirle -con todo respeto- y afirmar que al decir esta frase, pecaba de falsa modestia. Bien cierto es que el maestro Ford dedicó gran parte de su carrera al western -convirtiéndose en un experto-; pero no debemos olvidar que a lo largo de su dilatada carrera, también abordó una gran variedad de géneros, tales como el cine social (“Las Uvas de la Ira”, “Que Verde era mi Valle”), el cine bélico (“No eran Imprescindibles”), o el cine histórico (“El Joven Lincoln”, “El Último Hurra”).

Reconocerás su Cine por: defensa de la tradición; sencilla puesta en escena; sentido del humor como herramienta narrativa; acentuado sentido del honor; exaltación del compañerismo; marcada intención didáctica (su cine es un repaso a la historia de los Estados Unidos); imágenes plagadas de horizontes en la parte superior o inferior, pero jamás partiendo la pantalla por la mitad (consejo que brindó a un jovencísimo Steven Spielberg).

La Joya de la Corona: “El Hombre que Mató a Liberty Valance” (1962) es probablemente el primer Western Crepuscular jamás realizado, y una debilidad personal. Nunca se representó con tanta clase la transición del salvaje Oeste al imperio de la ley; y en mitad de todo esto, un triángulo amoroso, en el que la protagonista se debate entre el hombre que mataría a Liberty Valance y el que le metería entre rejas.

Sus 3 Películas Imprescindibles: “Las Uvas de la Ira” (1940), “Fort Apache” (1948) y “El Hombre Tranquilo” (1952).

Actor/Actriz Fetiche: John Wayne y Henry Fonda

Billy Wilder

El austríaco fue otro director inmensamente versátil. Solo le faltó rodar un western para competir por los dos primeros puestos ocupados por Hawks y Ford; aunque probablemente sentía demasiado respeto por un género tan eminentemente americano, como para hacerlo suyo. Sus películas, como ya anticipaban los guiones que escribió para otros directores (Sturges, Lubtisch y Leissen), llevaban su impronta en cada diálogo. ¿Es una comedia, un drama, una película de juicios, una adaptación de las aventuras de Sherlock Holmes…? No, es una película de Billy Wilder; su cine estaba por encima de géneros; escribía (ya fuera acompañado por Charles Brackett o I. A. L. Diamond), producía y dirigía, demostrando que un gran guionista podía convertirse en un excelente director.

Reconocerás su cine por: diálogos ácidos, con una brillante utilización de la ironía y el sarcasmo (según William Holden su mente estaba llena de cuchillas de afeitar); magnífica dirección de actores; personajes en los que el vicio tiene mas peso que la virtud; un ingenio superdotado para esquivar la censura, originalidad en sus argumentos.

La Joya de la Corona: “El Apartamento” (1960) es una obra que reúne todas las virtudes del cine de Billy Wilder; un comedia disfrazada de drama, un drama disfrazado de comedia…es difícil definir las aventuras y desventuras de C. C. Baxter, pero es evidente que navegan la gama de grises que caracteriza la vida de cualquier ser humano.

Sus 3 Películas Imprescindibles: “Perdición” (1944), “El Crepúsculo de los Dioses” (1950), “Con Faldas y a lo Loco” (1959).

Actor/Actriz Fetiche: Jack Lemmon y William Holden

Alfred Hitchcock

El cineasta británico fue mucho más que el Maestro del Suspense, como muchos le denominan; valorar su obra desde ese punto de vista, implica no haber entendido su cine. Exploró los rincones más oscuros del alma humana con una precisión asombrosa, sin caer en las redes de un excesivo dramatismo. Su injusto encasillamiento es debido a una serie de características habituales en su cine, muy marcado por su arrolladora personalidad. Evidentemente, no se trata del director mas versátil de la historia del Cine; pero es innegable la constante evolución de su cine y la preocupación del cineasta británico por innovar e ignorar las reglas preexistentes.

Reconocerás su Cine por: altísimas dosis de suspense en sus tramas; habitual utilización del McGuffin (Ejemplo: “Encadenados” consiste en una trama de espionaje, pero lo que verdaderamente interesa al director es contar la historia de amor que la acompaña); sus protagonistas habitualmente son culpables de un delito que no han cometido; figuras maternas terriblemente posesivas; triángulos amorosos; estilización de sus planos; la música de Bernard Herrmann; relaciones amorosas atormentadas.

La Joya de la Corona: “Vértigo (de entre los Muertos)” (1958) es, paradójicamente, una de las películas menos identificables del director inglés; su ritmo no es el habitual; tampoco lo son su estructura narrativa ni los personajes que la protagonizan. Se trata de una película obsesiva, incluso enfermiza, que relata una historia de amor imposible, a caballo entre lo real y lo sobrenatural.

Sus 3 Películas Imprescindibles: “Encadenados” (1946), “Con la Muerte en los Talones” (1959), “Psicosis” (1960).

Actores Fetiche: Cary Grant y James Stewart.

CANDIDATOS AL 5º PUESTO

¿Acaso pensabais que iba a ser tan fácil? Debido a mi incapacidad para excluir a uno de los siguientes directores de este quinteto, he decidido presentar esta terna mágica, esperando que seáis tan amables de echarme una mano en tan ardua y dificultosa elección. Podéis dejar vuestros comentarios al final del artículo, indicando cual es vuestro candidato favorito de estos tres magníficos cineastas.

John Huston

No podía faltar; John Huston es una debilidad personal y uno de los directores con más personalidad que ha dado el Séptimo Arte. Sin llegar a huir de los cánones clásicos del cine hollywoodiense, el director americano imprimió su carácter extravagante a cada una de las películas que realizó, haciéndolas únicas y poco académicas. A Huston no le preocupaban los géneros cinematográficos ni sus reglas; los transgredía continuamente, sin importarle la desorientación que ello provocara tanto en los grandes estudios, como en los espectadores de la época. Ni siquiera respetaba géneros tan institucionalizados como el cine de Mafia –en “El Honor de los Prizzi” no queda muy claro si se lo toma en serio-, o el cine negro –en “La Burla del Diablo” profana el mismo género que le había encumbrado en su aclamado debut “El Halcón Maltés”.

Reconocerás su cine por: un sentido del humor muy particular y presente en casi todas sus películas; imprevisibilidad de sus argumentos; excelente dirección de actores; personajes extremos, en ocasiones casi caricaturizados; sus películas rompen las reglas de los género a que pertenecen; gusto desmesurado por las aventuras; rodaje en exteriores fieles a lo expuesto en el guión (Mexico, África…)

La Joya de la Corona: “Dublineses” fue su última película y prácticamente su último suspiro; Huston la dirigió desde una silla de ruedas y con el oxigeno a cuestas; un homenaje a la nostalgia, la tradición y la melancolía.

Sus 3 Películas Imprescindibles: “El Tesoro de Sierra Madre” (1948), ”El Hombre que pudo Reinar” (1975), “El Honor de los Prizzi” (1985).

Actor/Actriz Fetiche: Anjelica Huston, Humphrey Bogart

Orson Welles

Al igual que Kubrick, el genial director de “Sed de Mal” no tuvo una carrera muy extensa; en 32 años de carrera dirigió tan solo 11 películas, aunque en el caso del orondo director americano no fue a causa de interminables preparativos o voluntarios descansos, sino por la inexplicable desconfianza que tenían los estudios para financiar sus ambiciosos proyectos. Con dinero (Ciudadano Kane) y sin dinero (Macbeth); teniendo derecho al montaje final (Ciudadano Kane) y sin tenerlo (El Cuarto Mandamiento); dentro del sistema de Hollywood (Sed de Mal) y fuera de él (F de Fraude), Orson Welles fue siempre fiel a su forma de hacer el cine. Si hubiese nacido en los 50, habría disfrutado de la libertad creativa que llegó en los 70, y hubiésemos sido testigos de las verdaderas posibilidades de un autentico genio, que tuvo que buscar trozos de celuloide en los vertederos de los grandes estudios.

Reconocerás su Cine por: personajes de dudosa moralidad; numerosos picados y contrapicados para mostrar relaciones de poder; planos oblicuos para provocar desequilibrio en el espectador, intentando mostrar las emociones de los personajes; una brillante dirección de fotografía; sensacional utilización de la elipsis; gran imaginación en la puesta en escena, provocada por la falta de medios.

La Joya de la Corona: “Sed de Mal” supuso el retorno de Welles al cine de gran presupuesto en el seno de Hollywood; una vez mas, demostró que era un genio e hizo un autentico monumento al cine negro.

Sus 3 Películas Imprescindibles: “Ciudadano Kane” (1941), “El Cuarto Mandamiento” (1942), “Macbeth” (1948).

Actor/Actriz Fetiche: Orson Welles, Joseph Cotten

Stanley Kubrick

La carrera de Stanley Kubrick tampoco fue precisamente extensa; se redujo a 13 películas entre 1953 y 1999. Pero es innegable que cada obra que dirigió fue planificada y ejecutada a conciencia, intentando siempre explorar nuevos territorios y aportando siempre algo nuevo al Séptimo Arte. En su favor, podemos decir que lo consiguió, a pesar de que algunos de sus trabajos pecaran de una excesiva voluntad de trascender. Aún así, era capaz de dirigir una obra bajo los esquemas clásicos, y romperlos a continuación en su siguiente trabajo; no tenía miedo al riesgo y era uno de esos directores capaces de enseñar fotografía al mejor cinematógrafo de un gran estudio.

Reconocerás su Cine por: la frialdad en la puesta en escena; el peso de su cine recae en el aspecto técnico, quedando las interpretaciones en un segundo plano; romper los esquemas de los géneros cinematográficos que abordaba; su habitual voluntad de denuncia; cuidadoso empleo de la iluminación artificial y natural; numerosos travelling persiguiendo a sus personajes y pionera utilización de la steadycam.

La Joya de la Corona: “Senderos de Gloria”es una película antibélica, que refleja como ninguna las injusticias de la guerra, las patéticas relaciones de poder cuando hay que señalar culpables y la hipocresía que rodea muchas de las decisiones de los oficiales en tiempos de guerra. Magníficos diálogos y escasas secuencias de guerra, que perduran en la memoria.

Sus 3 Películas Imprescindibles: “Atraco Perfecto” (1956), “La Naranja Mecánica” (1971) y “El Resplandor” (1980)

Actor/Actriz Fetiche: Stanley Kubrick no fue un director de actores; de hecho les despreciaba. Pero si tuviéramos que nombrar los tres actores que mejor supieron interpretar sus órdenes, podríamos citar a Kirk Douglas, Sterling Hayden, Peter Sellers.

Carlos Fernández Castro

Infiltrados en Clase (21 Jump Street)

Dirección: Phillip Lord, Chris Miller

Reparto: Jonah Hill, Channing Tatum

Sinopsis: Un par de jóvenes agentes de la ley se hacen pasar por alumnos de instituto para desarticular una red de narcotráfico.

Bandeja de Plata pre-opina: cada vez es mas frecuente que directores de cine de animación se pasen a la imagen real; en esta ocasión, los responsables de “Lluvia de Albóndigas” adaptan la famosa serie de los 80 “Jóvenes Policías”, protagonizada por Johnny Depp. A día de hoy, la sola presencia de Jonah Hill me parece estimulante, después de ver que puede funcionar igual de bien en drama (Moneyball) y comedia (Supersalidos); quien me asusta es Channing Tatum ( La Legión del Águila). Se puede sacar petróleo de este planteamiento.

Miss Bala

Dirección: Gerardo Naranjo

Reparto: Stephanie Sigman, Noé Hernández, Irene Azuela

Sinopsis: Laura es una joven mexicana que aspira a convertirse en una reina de la belleza. Su obsesión por conseguir el título la lleva a involucrarse en las redes del narcotráfico, poniéndose al servicio de una banda que tiene aterrorizado al norte de México. Independientemente de su participación en el concurso de belleza, su experiencia como participante involuntaria en la violenta guerra de bandas que sacude a México cambiará su vida.

Bandeja de Plata pre-opina: siempre se agradecen este tipo de películas de contrastes en los que se muestra la cara oculta de un país, aquella que la publicidad turística casualmente oculta. El trailer anticipa lo que parece ser una película muy potente. Apetece verla.

Sombras Tenebrosas (Dark Shadows)

Dirección: Tim Burton

Reparto: Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Helena Bonham Carter

Sinopsis: En 1752, los Collins y su hijo Barnabas zarpan de Liverpool con destino a América para librarse de la misteriosa maldición que pesa sobre su familia. Con el paso de los años, Barnabas (Johnny Depp), un playboy impenitente, se convierte en un hombre rico y poderoso que comete el error de romperle el corazón a Angelique Bouchard (Eva Green). Pero ella, que es una bruja, lo condena a un destino peor que la muerte: lo convierte en vampiro y lo entierra vivo. Dos siglos después, en 1972, Barnabas consigue salir de su tumba y se encuentra con un mundo irreconocible.

Bandeja de Plata pre-opina: Tim Burton está en horas bajas, justo igual que su actor fetiche Johnny Depp; con tan solo ver el trailer de su ultima película te invaden unas ganas irrefrenables de no verla. Desde “Eduardo Manostijeras” y “Ed Wood”, perdí el interés en su cine; una pena. Claro ejemplo de un gran potencial desperdiciado en películas huecas.

Seis Puntos sobre Emma

Dirección: Roberto Pérez Toledo

Reparto: Verónica Echegui, Félix García, Fernando Tielve

Sinopsis: Emma tiene casi treinta años y, aunque es ciega, vive obsesionada con el deseo de ser madre. Cuando descubre que su novio no podrá dejarla embarazada, rompe con él y emprende la búsqueda de un espermatozoide perfecto. Sin enamorarse, sin sentimientos. Parece fácil, pero no tardará en descubrir que su ceguera no reside únicamente en sus ojos.

Bandeja de Plata pre-opina: A priori, “Seis Puntos sobre Emma” presenta un planteamiento muy interesante, que sospecho no se queda en abordar el amor entre discapacitados, sino en la ceguera del ser humano en general. El trailer es bastante revelador; démosle una oportunidad.

Starbuck

Dirección: Ken Scott

Reparto: Patrick Huard, Julie LeBreton, Antoine Bertrand

Sinopsis: A sus 42 años, David sigue viviendo como el eterno adolescente. Sortea con el mínimo esfuerzo los escollos de la vida y mantiene una relación complicada con Valerie, una joven policía. Ésta le comunica que está embarazada justo cuando David se encuentra de golpe con su pasado. Fruto de sus donaciones de esperma veinte años atrás, descubre que es padre de 533 hijos de los cuales 142 quieren conocerle. Han emprendido una acción legal conjunta para que se revele la identidad de su padre biológico de quien hasta entonces sólo conocen su pseudónimo: Starbuck.

Bandeja de Plata pre-opina: no sé por qué no me sorprende que detrás de este argumento se encuentre el magnífico guionista de “La Gran Seducción”, película canadiense que hace varios años deleitó a los mas curiosos rastreadores de cartelera. El planteamiento promete algo diferente y freak, muy freak. ¡¡¡No me la pierdo!!!

Un Amour de Jeunesse (Primer Amor)

Dirección: Mia Hansen-Love

Reparto: Lola Créton, Sebastien Urzendowski

Sinopsis: Primavera de 1999. Camille, de quince años (Lola Créton), y Sullivan, de 19 (Sebastian Urzendowky), viven un amor apasionado; pero él partirá para Sudamérica, dejando a Camille dolorida y desesperada. Siete años más tarde, Camille, que forma una sólida pareja con Lorenz (Magne Havard Brekke), volverá a ver a Sullivan.

Bandeja de Plata pre-opina: a priori, una película más de amores perdidos y su posterior reencuentro; evidentemente, existe una nueva relación que en principio lo impide. Tratándose de algo tan previsible, espero que la directora francesa tenga un as en la manga. De todas formas, habiendo dos películas tan interesantes por estrenar esta semana, no me arriesgare.

Un Lugar donde Quedarse (This Must be The Place)

Dirección: Paolo Sorrentino

Reparto: Sean Penn, Eve Hewson, Frances McDormand

Sinopsis: Cheyenne es una antigua estrella de rock. A pesar de sus cincuenta, conserva una imagen gótica y vive en Dublín de los derechos de autor. La muerte de su padre, con quien no tenía relación alguna, le lleva a Nueva York, donde descubre que su progenitor vivía con una obsesión: vengarse de una humillación de la que había sido víctima. Cheyenne decide hacer realidad ese deseo de venganza, pero, para ello tendrá que emprender un viaje a través de América.

Bandeja de Plata pre-opina: aquellos que nos quedamos prendados de películas como “Las Consecuencias del Amor” y “Il Divo”, cada nuevo trabajo de Paolo Sorrentino es un auténtico deber. “Un Lugar donde Quedarse” tiene pinta de tratarse de una freakada bastante importante; sobre todo después de ver su trailer. Parece que el director italiano ha puesto toda la carne en el asador y ha llevado al limite a Sean Penn, algo no demasiado complicado. El resultado, un misterio; pronto lo veremos.

Nota: 8

Dirección: Robert Guediguian

Guión: Robert Guédiguian (Poema: Victor Hugo)

Reparto: Jean Pierre Darroussin, Ariane Ascaride, Gérard Meylan

Fotografía: Pierre Milon

A Robert Guédiguian no le gustan los cambios; es algo fácil de comprobar con tan solo echar un vistazo a las fichas artísticas y técnicas de sus películas. Desde 1981, resulta difícil encontrar nombres nuevos en las 17 películas que ha rodado: Jean Pierre Darroussin, Ariane Ascaride y Gérard Meylan son prácticamente fijos en sus repartos; mientras que Bernard Cavalie y Pierre Milon se han encargado de la fotografía en la mayoría de sus trabajos. Por ello no es de extrañar que, tras la breve interrupción que supuso el rodaje de “El Ejército del Crimen”, haya decidido retomar el trabajo con su equipo habitual.

Esto no significa que su cine se haya mantenido imperturbable a lo largo de los años; es probable que, al igual que los protagonistas de “Las Nieves del Kilimanjaro”  (y nosotros mismos, ¡que diablos!), el director galo a menudo eche la vista atrás pensando si las expectativas que tenía cuando era joven se han visto cumplidas, o sencillamente se han transformado en algo que siempre criticó. Y la conclusión es que realmente da igual; Marie Claire (Ariane Ascaride) y Michel (Jean-Pierre Darroussin) se ven a si mismos como los burgueses que nunca desearon ser, pero también son conscientes de que han trabajado duro para conseguir lo que poseen, y no tienen por qué arrepentirse.

Pero la película del cineasta galo es mucho más compleja de lo que puede aparentar a primera vista; no contento con hablar sobre cómo nos afecta el paso del tiempo, también aborda temas de rabiosa actualidad: el hecho de perder el trabajo en una sociedad afectada por una demoledora crisis económica, y los efectos directos que esta crisis puede provocar en tu entorno, mas allá de la pérdida de poder adquisitivo.

“Las Nieves del Kilimanjaro” es una película muy en la línea de lo que el director francés lleva haciendo en las últimas décadas: un cine que explora las preocupaciones del ser humano desde un punto de vista dramático, pero sin llegar a perder el sentido del humor que siempre le ha caracterizado. En esta ocasión, Guédiguian asume ciertos riesgos que demuestran su escaso miedo a afrontar nuevos retos, y una habilidad asombrosa para mezclar géneros aparentemente dispares: el drama social y el thriller psicológico, el cual utiliza con unos resultados portentosos, para dotar de una nueva dimensión a su trabajo.

Mas allá de estos aciertos, el cineasta galo consigue que su película monopolice nuestros pensamientos nada mas acabar su proyección; una proeza que convierte a “Las Nieves del Kilimanjaro” en una especie en vías de extinción. La irrupción del thiller en la narración es determinante a la hora de exponer el verdadero conflicto que plantea este largometraje. Si en un primer momento asistimos a la prejubilación forzosa de Michel (Jean-Pierre Darroussin) como un acontecimiento traumático, acto seguido el director de “La Ciudad está Tranquila” se encarga de relativizarlo mediante la presentación de un personaje en una situación notablemente mas precaria, y que debe delinquir para salir adelante.

Una vez más, el dilema está servido: ¿Hasta qué punto debemos condenar a un individuo por intentar sobrevivir?; ¿en qué debemos basarnos para medir la gravedad de sus hechos?; ¿debería ser relativa la aplicación de la ley?; si así fuera, ¿sería posible la convivencia en sociedad de esta manera? Como pueden comprobar, es sencillo constatar la complejidad de la última obra de Robert Guédiguian, un director que con cada trabajo evoluciona y perfecciona su estilo. “Las Nieves del Kilimanjaro” no solo es una película inquietante, reflexiva y sorprendente, sino que además esquiva la demagogia con mucha cintura, contiene unas interpretaciones antológicas y desprende mucho encanto; un lujo en estas fechas que no debéis pasar por alto.

Carlos Fernández Castro

Adios a la Reina (Les Adieux à la Reine)

Dirección: Benoît Jacquot

Reparto: Diane Kruger, Léa Seydoux, Virgine Ledoyen

Sinopsis: 1789. En la víspera de la Revolución Francesa, las personas que viven en la Corte de Versalles continúan con su liderazgo sin preocupaciones, la vida sin inhibiciones, lejos de la creciente inquietud en París.Cuando la noticia del asalto a la Bastilla llega a los oídos de la corte, los nobles emprenden la huida junto con sus sirvientes, abandonando el palacio. Pero Sidonie Laborde, una joven lectora de la Corte dedicada en cuerpo y alma a la Reina, se niega a creer en los rumores. Cree que bajo la protección de Marie Antonieta ella no sufrirá ningún daño. No sabe que estos serán los últimos tres días que pasará al lado de su reina.

Bandeja de Plata pre-opina: intento evitar ser negativo, pero esta historia ya me la sé de cabo a rabo; son demasiadas las películas que han intentado retratar los días previos a la Revolución Francesa a través de una de sus principales víctimas y protagonistas. Solo para los amantes de los films históricos y aquellos que sufran una enfermedad similar a la del protagonista de “Memento”.

American Pie: el Reencuentro (American Reunion)

Dirección: Jon Hurwitz, Hayden Schlossberg

Reparto: Jason Biggs, Alyson Hannigan, Sean William Scott, Tara Reid

Sinopsis: todos los personajes de American Pie regresan a East Great Falls para participar en una reunión del instituto. Durante el esperado fin de semana descubrirán qué y quién ha cambiado, qué y quién no, pero también que el paso del tiempo y la distancia no pueden con los lazos de la amistad. En el verano de 1999, cuatro adolescentes de una pequeña ciudad de Michigan decidieron que ya era hora de perder la virginidad. Años después nos enteramos de que Jim y Michelle se casaron, mientras que Kevin y Vicky se separaron. Oz y Heather también se distanciaron, pero Finch sigue acordándose de la madre de Stifler.

Bandeja de Plata pre-opina: vosotros lo sabéis tan bien como yo, esto era del todo innecesario; ya tuvimos suficiente con las dos anteriores secuelas de una primera película que era simplemente correcta, sin mas. Esta gente debe estar muy mal de dinero como para hacer “American Reunion”, no cabe otra explicación. La crisis creativa que sufrimos en la actualidad no evitará que hordas de adolescentes y nostálgicos incurables acudan a las salas de cine para ver las nuevas aventuras de estos personajes; sospecho que saldrán decepcionados.

Clara no es un Nombre de Mujer

Dirección: Pepe Carbajo

Reparto: Jorge Sanz, Juan Dorá, Jorge Perugorria

Sinopsis: Jorge (Jorge Sanz) llega a Cuba acompañando a su sobrino (Juan Dorá), que trata de desenredar un lío de faldas. El argumento da pie a una rocambolesca historia en la que las increíbles Harley Davidson cubanas y la pasión por las motos son también protagonistas.

Bandeja de Plata pre-opina: este argumento me resulta raro, raro, raro. No sé que saldrá de semejante planteamiento, pero francamente, me da bastante igual. Personalmente, una comedia de lío de faldas con motos de por medio no me resulta suficientemente estimulante como para dejarme 8 o 9 eurazos en una entrada.

TRAILER NO DISPONIBLE

El Hombre sin Pasado (Ajeossi)

Dirección: Lee Jeong-beom

Reparto: Won Bin, Kim Sae-ron, Kim Hee-won

Sinopsis: Tae-shik (Won Bin) es un prestamista que vive sólo en un edificio donde su única amiga es So-mi (Kim Sae-ron), la hija de 10 años de su vecina que trabaja como bailarina exótica. Un día ésta comete el error de robar un paquete de droga a unos mafiosos y esconderlo en casa de Tae-shik. Al descubrirlo, los mafiosos destrozan su casa y secuestran a la niña y a la madre, obligando a Tae-shik a hacer una peligrosa entrega para ellos. Pero lo que estos no imaginan es el oscuro y violento pasado de Tae-shik, y el infierno que desatará a su paso con tal de liberar a su joven amiga.

Bandeja de Plata pre-opina: el cine surcoreano lleva años estando en un gran estado de forma, y esta es la película mas taquillera de 2010 en el país; evidentemente, no pienso perdérmela. Como bien sabéis, y tratándose de una película con ciertos toques violentos deudora de “Memories of Murder” y “Oldboy”, no es recomendable para estómagos demasiado sensibles. Por lo demás, esta gente sabe cómo hacer cine; no os confundáis con las típicas películas de acción americanas.

El Sexo de los Ángeles

Dirección: Xavier Villaverde

Reparto: Ana Maroto, Xavier Villaverde, José Antonio Vitoria

Sinopsis: Carla (Astrid Bergès-Frisbey) y Bruno (Llorenç González) se quieren y se desean. Ambos comparten vida, ilusiones y amigos. Todo es perfecto hasta que aparece Rai (Álvaro Cervantes). Provocador y misterioso, Rai es pura seducción. Su llegada romperá las normas que existen entre Carla y Bruno como pareja, cambiando sus vidas para siempre. Pero, ¿hasta dónde puede llegar el verdadero amor?, ¿Se puede vivir intensamente sin arriesgar lo que ya tienes?

Bandeja de Plata pre-opina: hace muy poco escribí palabras similares a las que voy a escribir ahora; no es que me falte creatividad, pero es que esta gente se empeña en hacer la misma película una y otra vez. ¿A que no sabéis de qué va esta película? ¡Sí, habéis acertado!, de un nuevo triángulo amoroso. Bueno, simplemente leed la sinopsis y me entenderéis.

Les Lyonnais

Dirección: Olivier Marchal

Reparto: Daniel Duval, Gerard Lanvin, Tchéky Karyo

Sinopsis: Tras crecer en un miserable campamento gitano, Edmon Vidal alias Momon, conserva un sentimiento de familia, lealtad inquebrantable y orgullo de su origen. Sobre todo ha mantenido su amistad con Serge Suttel, con el que descubrió la vida en prisión por algo tan ridículo como robar cerezas.Inevitablemente acabarán metiéndose en el crimen organizado: el equipo que formó ‘La Banda de los Lioneses’, llevó a cabo el más célebre robo a mano armada de principios de los 70. Su auge imparable acabó en 1974 con un arresto espectacular.

Bandeja de Plata pre-opina: aquellos que sintamos una atracción irresistible hacia el mundo del crimen organizado, cinematográficamente hablando (claro está), no podremos evitar sentir cierta curiosidad hacia una película que promete ser interesante, y mostrar una perspectiva y contexto diferentes a los habituales en las películas de este género.

Los Diarios del Ron (The Rum Diary)

Dirección: Bruce Robinson

Reparto: Johnny Depp, Amber Heard, Aaron Eckhart

Sinopsis: Recién licenciado de las Fuerzas Aéreas y tras una temporada como chico de fotocopias en la revista Time Magazine, el creador del periodismo ‘gonzo’, Hunter S. Thompson, se trasladó en 1960 a San Juan, Puerto Rico, donde trabajó brevemente para El Sportivo, una revista deportiva a punto de quebrar, e intentó infructuosamente escribir para el periódico The San Juan Star.

Bandeja de Plata pre-opina: según dicen, se trata de un proyecto muy personal de Johnny Depp, quien convenció al autor de la novela para publicarla, tras años voluntariamente ocultada al público después de su finalización, y posteriormente escribir el guión. Los resultados no parecen haber sido óptimos. Es un misterio por qué Johnny Depp está desperdiciando esta segunda oportunidad tras el golpe de suerte que supuso “Piratas del Caribe”. Probablemente, la carrera mas calamitosa de una estrella en los últimos tiempos, desde que alcanzó el caché más alto de Hollywood.

Safe

Dirección: Boaz Yakin

Reparto: Jason Statham, Catherine Chan

Sinopsis: Jason Statham es un agente cuya misión consiste en rescatar a una niña pequeña que ha sido raptada por una tríada de Nueva York. Ella es la única que conoce el código que puede acabar con la mafia rusa, con los agentes corruptos de la policía de Nueva York y con la propia tríada.

Bandeja de Plata pre-opina: no vayáis a verla si esperáis sorpresas. Se trata de una película de Jason Statham y, como tal, es igual que todas las  películas anteriores de Jason Statham (exceptuando “Lock and Stock” y “Snatch: Cerdos y Diamantes”, que son películas de Guy Ritchie, en las que casualmente interviene Statham). Si lo que buscáis son mamporros, diálogos tontos de tipos duros y coherencia argumental inexistente esta es sin duda vuestra película. Si no, absteneos.

Wilaya

Dirección: Pedro Pérez Rosado

Reparto: Nadhira Mohamed, Memona Mohamed, Aziza Brahim, Ainina Sidagmet

Sinopsis: historia sobre dos hermanas que se reencuentran en los campamentos saharauis. Nos cuenta cómo es la vida allí a través de Fatimetu (Nadhira Mohamed), una española de origen saharaui que se ve obligada a regresar a los campamentos tras la muerte de su madre.

Bandeja de Plata pre-opina: para muchos, entre los que me encuentro, la vida en los campamentos saharauis es un completo misterio; razón por la cual esta película me resulta interesante desde el punto de vista cultural, aunque no tanto desde el punto de vista cinematográfico después de ver el trailer.