Nota: 7,5

Dirección: Clint Eastwood

Guión: Dustin Lance Black

Reparto: Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Josh Lucas, Judi Dench, Armie Hammer

Fotografía: Tom Stern

Música: Clint Eastwood

El viejo Clint no suele fallar. Más o menos acertadas, las películas de Eastwood mantienen ese sello que convierte en obligatoria la cita anual con su nueva película.  La de este año prometía mucho y resulta que no es para tanto, pero aún así “J. Edgar” se descubre como otra lección de cine del maestro, una intensa película con meritorias propuestas.

Por cercanía en los tiempos de estreno y, por qué no decirlo, por reivindicar la calidad de la película de Eastwood, hacer la comparación de este biopic con el de Margaret Thatcher (“La dama de hierro”) es muy tentador. Esta comparación te hace entender que, pese a sus superficiales puntos en común, se trata de películas  muy distintas en su estudio sobre el personaje principal.

Las dos, como por otro lado casi todas las películas biográficas, basan muchas de sus posibilidades en el buen hacer de su protagonista. En estos dos casos, esa parcela está más que cubierta: Meryl Streep  y Leonardo DiCaprio están enormes; una circunstancia que nunca sorprende en Streep y que -esto sí que es sorprendente- empieza a no hacerlo en DiCaprio tampoco.

El gran trabajo de sus actores principales no es lo único que aparentemente comparten: la estructura narrativa que intercala sus últimos años con los recuerdos más brillantes de su vida ya pasada es más o menos parecida. Sin embargo, el planteamiento de Clint Eastwood es bastante más acertado: apoyándose en el denso guión de Lance Black (“Mi nombre es Harvery Milk”) y en un buen ritmo,  se nos presenta un personaje al que podemos escuchar (voz en off) y ver tanto en su faceta pública como en la privada. Como  nunca abandonó el poder, estos aspectos se entremezclan con interés hasta el final de su vida. En cambio, en “La dama de hierro”  esta estructura aporta muy poco. Las largas partes de la vieja Thatcher, ya muy alejada de puestos de gobierno, se centran principalmente en sus relaciones personales, algo que puede interesar hasta cierto punto. Sus labores administrativas quedan relegadas a una especie de “grandes momentos” de su carrera política.

Phyllida Lloyd evita meterse en el polémico jardín de las políticas de Thatcher de un modo convencional y dramatizado. Eastwood, en cambio, pese a no tocar los controvertidos años 50, construye un retrato muy poco complaciente y directo de un personaje tan curioso como lo fue Hoover.  El director californiano decide no dejarse cegar por sus logros y, al mismo tiempo, no ensañarse con sus numerosos aspectos criticables.  En “J. Edgar” la cámara no deja de lado casi en ningún momento a su protagonista; vemos el pasado a través de sus inexpresivos ojos y su presente a través de las últimas decisiones que toma y eso, aunque signifique restarle algo de profundidad al relato, consigue darnos una dimensión completa y más íntima del director del FBI.

Hay que dejar claro que “J. Edgar”, pese a sus buenas ideas y su gran ejecución, tampoco es perfecta. Quizás su problema principal, como ocurre también en “La dama de hierro”, está en lo mucho que intenta abarcar en la vida de su protagonista. A lo mejor si se hubiese construido una historia más centrada y ligera, como por ejemplo algún episodio concreto de su vida, su efecto podría haber sido más eficaz y  un poco menos superficial. Me veo obligado a hacer mención también del lamentable maquillaje al que someten al pobre Armie Hammer.

Clint Eastwood es ya un director fundamental en la historia del cine nortamericano. Aunque “J.Edgar” no se puede poner al nivel de sus obras maestras, el poder tener una nueva película suya cada tan poco tiempo y a un nivel tan regular como el que sigue presentando, es un lujo del que nadie debería privarse.

Arturo Tena

Curiosamente, estos papeles sirvieron para que Steve McQueen se fijara en él y le ofreciera el papel protagonista de su debut cinematográfico, la imprescindible “Hunger”. El director británico le regaló un caramelo envenenado en forma de personaje muy jugoso, pero tremendamente difícil de Interpretar; Fassbender superó sobradamente las expectativas y realizó una de esas interpretaciones antológicas que jamás se olvidan.

A partir de ese momento siguió participando en películas independientes de calidad, como la notable “Fish Tank”, y recibió la llamada de Quentin Tarantino para un interesante papel en “Malditos Bastardos”; como era de esperar, esto supuso un autentico punto de inflexión en su carrera, dando pie a un 2011 inolvidable:  la brillante “Un Método Peligroso” -de David Cronenberg-, una adaptación más que notable de “Jane Eyre”, la precuela de la saga X-Men -dirigida por el emergente Matthew Vaughn-, y por supuesto, la segunda y aclamada cinta de Steve McQueen: “Shame”, una auténtica bomba de relojería a punto de estallar.

Michael Fassbender en "Malditos Bastardos" de Quentin Tarantino

Si hay algo que ha caracterizado la carrera de este actor hasta el momento ha sido su amor por el cine, independientemente del género o presupuesto, y no habiéndole importando el alcance de los proyectos en que interviene. Su arriesgadísima e inenarrable interpretación en “Shame” -se estrenará a mediados de febrero en España- pasará a la historia como una de las mas importantes del cine moderno, dejando a la altura del betún la realizada por Nicholas Cage en “Leaving Las Vegas” en cuanto a descensos al infierno se refiere.

Michael Fassbender en "Shame", de Steve McQueen, en una interpretación indescriptible

Resulta incomprensible que a estas alturas Michael Fassbender no sea una super-estrella y no haya logrado una nominación para los Oscar 2011. No obstante, sus nuevos proyectos para 2012 probablemente le lanzarán directo al estrellato: “Prometheus” -la nueva y esperadísima cinta de ciencia-ficción de Ridley Scott, en la que compartirá pantalla con Noomi Rapace (Millennium), Charlize Theron (Monster), Idris Elba (The Wire) y Guy Pearce (Memento)-, “Twelve Years a Slave” -tercera película del genial Steve McQueen, en la que trabajará con Chiwetel Ejiofor (Melinda y Melinda) y Brad Pitt-, y “Haywire” -la nueva cinta de acción del incansable Steven Soderbergh, que coprotagonizará junto a Michael Douglas, Antonio Banderas, Ewan McGregor y Gina Carano-. Con unos proyectos de esta envergadura, ¿hay alguien que dude que 2012 va a ser el año de Michael Fassbender?

Carlos Fernández Castro

Katmandú, un Espejo en el Cielo

Dirección: Icíar Bollaín

Reparto: Verónica Echegui, Sumyatta Battarai, Norbu Tsering Gurung

Sinopsis: Laia, una joven maestra catalana, se traslada a Katmandú para trabajar en una escuela local. Pronto descubrirá una pobreza extrema y un panorama educativo desolador que además deja fuera a los más necesitados. Tras contraer, en contra de sus convicciones, una matrimonio de conveniencia para legalizar su situación, Laia emprende un ambicioso programa pedagógico en los barrios de chabolas de Katmandú, aunque pronto se da cuenta de que no puede hacerlo sola…

Bandeja de Plata pre-opina: después del éxito de “También la Lluvia”, Bollaín vuelve a escoger una película cuyo argumento bebe del cine social más comprometido. Vuelve a situar su película en el extranjero, en una cultura desconocida diferente a la nuestra y que seguro llamará la atención del espectador más curioso e inconformista.

Los Muppets (The Muppets)

Dirección: James Bobin

Reparto: Los Muppets, Jason Segel, Amy Adams

Sinopsis: durante sus vacaciones en Los Ángeles, Walter, el fan número uno de los teleñecos, y sus amigos Gary y Mary descubren que el petrolero Tex Richman plantea demoler el teatro de los teleñecos para perforar el solar y extraer el petróleo que se halla debajo. Para montar el Show más espectacular de los Teleñecos y recaudar los 10 millones de dólares necesarios para salvar el teatro, Walter, Mary y Gary buscan a la rana Gustavo y a los Teleñecos.

Bandeja de Plata pre-opina: se trata de un film que extrañamente ha recibido excelentes críticas en los Estados Unidos. Es la típica película que, para atraer la escasa atención que suscitan los Teleñecos en cine, recurre a una infinidad de cameos de actores y artistas conocidos, sin contar con lo que realmente hace interesante una película: un buen guión. No perdería un minuto de mi vida en verla.

Moneyball: Rompiendo las Reglas (Moneyball)

Dirección: Bennett Miller

Reparto: Brad Pitt, Jonah Hill, Phillip Seymour Hoffman, Robin Wright

Sinopsis: Billy Beane, el director general de un equipo de baseball de Oakland logra mantenerse en los primeros puestos e incluso llegar a la final del campeonato durante varios años consecutivos, a pesar de contar con uno de los presupuestos mas bajos de todas las grandes ligas.

Bandeja de Plata pre-opina: enésima película sobre el sueño americano, esta vez protagonizada por el carismático Brad Pitt y el famosísimo (por lo menos en USA) Jonah Hill. El hecho de que esté dirigida por Bennett Miller, quien ya demostrara su buen hacer en “Historia de un Crimen” -en torno a la figura de Truman Capote-, y sus excelentes resultados en USA animan a verla, aunque con el reparo que provocan este tipo de producciones tan patrióticas y bienintencionadas.

Promoción Fantasma

Dirección: Javier Ruiz Caldera

Reparto: Raúl Arévalo, Alexandra Jiménez, Andrea Duró

Sinopsis: Modesto es profesor y, en ocasiones, ve muertos, lo cual, no solo le ha costado una fortuna en psiquiatras, sino el despido de todos los colegios donde ha trabajadfo. Su suerte cambia cuando encuentra plaza en el Monforte y tiene que dar clase a 5 alumnos que han convertido  un colegio de prestigio en la casa de los horrores.

Bandeja de Plata pre-opina: el director de “Spanish Movie” realiza su segunda película, esta vez dejando de lado a los chicos de Muchachada Nui y descargando todo el peso cómico en Raúl Arévalo; teniendo en cuenta su deficiente debut, no creo que esta película vaya a dar mucho más de si. Al menos se ha preocupado por escoger un argumento relativamente original.

Nota: 3

Dirección: Guy Ritchie

Guión: Kieran & Michele Mulroney (Basado en los personajes de Arthur Connan Doyle)

Reparto: Robert Downey Jr., Jude Law, Jared Harris, Noomi Rapace, Stephen Fry, Kelly Reilly, Geraldine James

Fotografía: Philippe Rousselot

Música: Hans Zimmer

….

Ya desde pequeño -cuando me nutría de deliciosos Cacaolats en tubo-, hasta el plomizo día presente -en el que engullo con igual destreza Mahou 5 estrellas-, siempre que comparto barra con un borracho parlanchín, su infernal vida conyugal termina irrumpiendo como apesadumbrado lamento o lapidaria advertencia.

Sinónimo de legendaria cortapisa o maquiavélica torturadora, la parienta emerge cual temible ser mitológico en sus peroratas -acometidas por lo general, bajo una Quinta del Buitre cristalizada, exóticas tragaperras, Sol y Sombras matutinos y mohosas cortezas de cerdo-. Y aunque suele intuirse que dicha insatisfacción nace, más bien, de la implacable estupidez presentada por los susodichos; sus sofismas pueden devenir realidad incuestionable, si camino del altar paseas con la mujer equivocada, tu Golem particular o -como en determinadas casuísticas- , con la persona inductora del que pudiera haber sido tu epitafio profesional. Y si no, pregúntenle a Guy Ritchie, de cuya última película hoy nos ocuparemos, y de cuya vida personal acabamos de hacer velada mención.

Madonna, por aquel entonces devota esposa de Guy Ritchie, se amarra ufana a su compañero de fatigas en "Barridos por la marea". Esta infumable película puso en jaque -y por momentos en mate- la carrera de Guy Ritchie.

Y es que el cine de Ritchie arribó, a finales de los noventa, enérgico y testosterónico como pocos. Sus celebradas obras, “Lock and Stock” y “Snatch, cerdos y diamantes” – ambas ambientadas en el submundo de la delincuencia británica más casposa-, se asientan en desternillantes diálogos, certeros guiones, hipercarismáticos personajes, y en el abrasivo poder visual de sus escenas más icónicas.

Sus cintas son vitamínicas, violentas, caóticamente precisas. Modernos cantares de gesta looser, que lo mismo se nutren del videoclip y sus maestros, que se inclinan hacia un ya referencial Quentin Tarantino o un mesiánico Scorsese; eso sí, en británica textura ska. Son creativas inventivas en torno a la velocidad de filmación y narración, hitos de mi adorado neonoir gamberro.

En la imagen, perteneciente a la fascinante “Snatch, cerdos y diamantes”, el carismático Vinnie Jones (leñero futbolista antes que actor), enarbola colérico una lustrosa - y siempre convincente- Desert Eagle 5.0.

Tras la calamitosa “Barridos por la marea” y las insípidas “Revolver” y “Rockanrolla” -que sin embargo, colocan de nuevo a Ritchie en el disparadero mediático-, en 2009, y gracias a su particular recreación de “Sherlock Holmes”, el talentoso realizador británico vuelve a saborear las mieles del éxito comercial y los parabienes de la crítica.

Su atractiva adaptación del mito se distinguía por respetar la señera flema del personaje, acompañándola sabiamente de proporcionales dosis de fibra. De ese modo se lograba revestir a Holmes de un realismo a todas luces lógico y práctico; pues creo es difícil imaginar a un detective del convulso siglo XIX, armado únicamente con su intuición, su ironía y sus excelsos razonamientos a la hora de husmear en los bajos fondos londinenses. De igual manera, tampoco veo al público actual, devorador de cinematográficas vísceras y ostias a rodabrazo, contemplando ojiplático a un héroe desprovisto de tan útiles y plásticas destrezas físicas.

Pero, para desgracia de los admiradores de Ritchie y/o seguidores de su Holmes particular, en esta segunda entrega -y a diferencia de lo acontecido años atrás-, el director británico nos presenta una trama absurda, inverosímil y tan ominosamente ridícula como el ochentero estilismo de Boy George.

Y es que “Sherlock Holmes 2”, que cuenta con una escenografía y una dirección fotográfica impolutas, falla esencialmente en lo fundamental: la historia. Su desarrollo, tachonado de golpes de humor más que infantiles, de autoplagios que restan frescura a la cinta, y de lugares comunes aborrecibles dentro y fuera del género, convierten la película en un modélico desastre -cuidado, siendo taimado y generoso con el veredicto que me merece-. De hecho, solo la ignominiosa “Sin Pistas” (Thom Eberhardt, 1988), presenta un peor resultado a la hora de trasmutar en cinematográficas las aventuras del mítico detective.

Mención aparte merece la tremebunda dirección de actores, mostrándose el elenco al completo, totalmente desorientado y fuera de lugar. Destaco en este ámbito el pésimo trabajo de Robert Downing Jr, que si bien no es de mis intérpretes predilectos, nunca le había visto construir tan pésima actuación.

Por tanto, la película se nos entrega con una factura técnica envidiable e impecable, pero provista de un guión y montaje bochornosos. “Sherlock Holmes: Juego de Sombras” es por ello, una injustificable calamidad fílmica, una profunda decepción, y una lamentable pérdida de tiempo y dinero. Siendo estos conceptos además, y más en tiempos de crisis, especialmente sensibles al derroche.

Ergo, les recomiendo encarecidamente ocupar su tiempo en revisitar “La vida privada de Sherlock Holmes” del gran Billy Wilder, o apostar su capital por el noble y tan hispano arte del cañeo; aunque para ello se tenga uno que rodear -como por otra parte procede- de estrafalarias conversaciones, monsergas y variopintos quejidos de bar.

Queda dicho, quedan avisados.

Alberto G. Sánchez – pelucabrasi

Christopher Plummer en "El Nuevo Mundo" (The New World) de Terrence Malick

El protagonista de “Los Descendientes“, que también trabajo para Malick en la desigual “La Delgada Línea Roja”, se da por contento por haber pasado el montaje final del director de “Malas Tierras” y cuenta algo muy interesante en torno al mosqueo de Adrian Brody al ver el resultado final del film. No os lo perdáis, interesantísimo:

CriTicTac, el único Diccionario que crece una película al día

CriTicTac materializa nuestro deseo de construir un diccionario de películas de cine ordenado alfabéticamente; de esta manera, podréis satisfacer vuestra curiosidad a cerca de infinidad de películas (poco a poco, estamos en construcción) en muy pocas líneas y sin emplear más de un minuto de vuestro precioso tiempo. Para los que no tengáis tanta prisa, siempre podréis daos una vuelta por nuestra sección de “Críticas de Cine”, en la seguiréis encontrando textos más extensos y analíticos.

Asimismo, estamos creando una serie de tags y enlaces (que irá creciendo según vayamos incluyendo más títulos) con el propósito de ir tejiendo una tela de araña que haga más fácil, completa y satisfactoria cualquier búsqueda que realicéis sobre un director, actor, guionista o fotógrafo en concreto (con tan solo hacer un click en el nombre).

Si tenéis alguna consulta o sugerencia que queráis hacernos llegar, no tenéis más que escribirnos al siguiente correo electrónico: platadebandeja@gmail.com

Esperamos que disfrutéis esta sección tanto como nosotros al construirla.

Nota: 8

Dirección: Alexander Payne

Guión: Alexander Payne, Nat Faxton, Jim Rash (Novela: Kaui Hart Hemmings)

Reparto: George Clooney, Shailene Woodley, Matthew Lilard, Judy Greer

Fotografía: Phedon Papamichael

Lo primero que uno se pregunta al ver los cinco primeros minutos de “Los Descendientes” es por qué hemos tenido que esperar siete años para poder ver un nuevo trabajo de Alexander Payne; después del éxito de critica y público que obtuvo su anterior film (“Entre Copas”), era impensable vaticinar tan larga y dolorosa espera.

La buena noticia es que “Los Descendientes” no decepciona; las altas expectativas generadas en torno al binomio Clooney-Payne no han resultado ser exageradas. La mala noticia es que probablemente tengamos que volver a esperar un lustro para que el director americano encuentre de nuevo un guión que satisfaga sus exigencias.

Alexander Payne consigue algo que muchos habían intentado anteriormente sin éxito: por primera vez, el espectador no tiene la sensación de estar observando a George Clooney intentando interpretar a una persona normal; en esta ocasión, asistimos a la caída libre de Matt King, un abogado cuya vida acaba de tocar fondo sin previo aviso. Parte del mérito corresponde a la dirección de Payne y a un guión (en el que también participa), que despoja de todo glamour a su personaje principal; pero tampoco debemos infravalorar los esfuerzos del actor americano, que por fin se desprende de sus inquietudes políticas y sus ticks de seductor. El bueno de George elige -al fin- un papel y una película acordes a sus grandes posibilidades como actor, resultando creíble en todo momento y llegando a conmover al espectador; son secuencias con un gran contenido, que Clooney logra expresar con una gran sutileza y sin ningún rastro de exhibicionismo emocional.

“Los Descendientes” es una película de autor; desde su primer fotograma, resulta imposible obviar que estamos ante una película de Alexander Payne: un ritmo constante, pero pausado; sin grandes sobresaltos cinematográficos, pero sí acontecimientos del día a día, que podrían hacer temblar los cimientos vitales de cualquier persona; y un tono melancólico que deja siempre una pequeña rendija a la esperanza, provocando ese sabor agridulce tan característico en su cine.

Porque en el fondo, las películas de este cineasta americano son pequeñas lecciones existenciales, que invitan a la reflexión sin resultar dogmáticas, y permiten que el espectador saque sus propias conclusiones. A través de un magnífico guión, el director de “A Propósito de Schmidt” nos cuenta -como pocos directores son capaces de hacerlo hoy día- la transformación de un personaje extremadamente egoísta, que a partir de un acontecimiento trágico. empieza a tomar consciencia del desastre en que se ha convertido su vida.

Pero dónde reside el gran mérito de “Los Descendientes” es en cómo logra transmitir las verdaderas intenciones de su director, es decir, conseguir que nos preguntemos a nosotros mismos si debemos valorar a nuestros seres queridos o amigos por un error cometido o por toda una trayectoria junto a nosotros. Porque a la hora de colocar en una balanza los aspectos positivos y negativos de una relación, no basta con mirar a la persona que estamos evaluando; antes de nada, debemos mirarnos a nosotros mismos. Y precisamente es ahí donde radica el éxito arrollador de Alexander Payne -gran conocedor de la naturaleza humana-, en el viaje emocional que realiza su protagonista, que le lleva a dicha conclusión y le convierte en una mejor persona -a un precio demasiado alto, eso sí-.

Hay gente que critica el cine de Alexander Payne y lo califica de intrascendente; para mi, sus películas son sencillamente trozos de vida que puedes tocar y reconocer como tuyos. Desgraciadamente, el Séptimo Arte raras veces logra transmitir, al mismo tiempo, tanta vida y tan acertadas reflexiones sobre la muerte. Nos vemos dentro de siete años Alex, o los que hagan falta.

Carlos Fernández Castro

“Red Lights” se centra en las investigaciones de lo paranormal de una parapsicóloga(Sigourney Weaver) y su joven compañero(Cillian Murphy). Siempre con el objetivo de destapar todos los fraudes que la gente se empeña en clasificar como paranormales, la pareja se enfrentará a un gran reto: investigar los “logros”  de un psíquico(Robert De Niro) desaparecido durante muchos años que, de repente, vuelve a tener gran prestigio en todo el mundo.

Aunque ya habíamos visto un primer adelanto en septiembre, en este tráiler podemos ver nuevas e interesantes imágenes de la película. Tiene todo muy buena pinta,  habrá que ver con que nos encontramos el próximo dos de marzo, día del estreno de la película en España.

Albert Nobbs

Dirección: Rodrigo García

Reparto: Glenn Close, Aaron Johnson, Mia Wachikowska

Sinopsis: Adaptación de la obra teatral de Broadway, “The Singular Life of Albert Nobbs”. En el SXIX, en un lujoso hotel de Dublín, una mujer (Glenn Close) se ve obligada a hacerse pasar por un hombre para poder sobrevivir.

Bandeja de Plata pre-opina: aunque no ha recibido excelentes críticas, una nueva película de Rodrigo García es siempre un evento especial; sobre todo teniendo en cuenta que este hombre tiene a sus espaldas obras como “Nueve Vidas” o “Madres e Hijas”, dos prodigios de sensibilidad y buen saber cinematográfico. Formidable reparto, liderado por una Glenn Close que, según cuentan, está de Oscar.

Arrugas

Dirección: Ignacio Ferreras

Reparto: Animación

Sinopsis: Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico, se hacen amigos. Emilio, que padece un principio de Alzheimer, cuenta inmediatamente con la ayuda de Miguel y otros compañeros que tratarán de evitar que vaya a parar a la planta de los deshauciados. Su disparatado plan tiñe de humor y ternura el tedioso día a día de la residencia, pues para ellos acaba de empezar una nueva vida.

Bandeja de Plata pre-opina: Mucho hemos oído hablar de esta cinta de animación español en los últimos tiempos, y por fin llega a nuestras salas de cine. Un argumento interesante, que demuestra que también se puede hacer cine de animación destinado a un público más adulto. Por lo inusual de la propuesta, ya merece ser tenida en cuenta.

Bajo Amenaza (Trespass)

Dirección: Joel Schumacher

Reparto: Nicolas Cage, Nicole Kidman

Sinopsis: Kyle (Nicolas Cage) y su mujer Sarah (Nicole Kidman) tienen una hija adolescente y una posición económica envidiable. Una noche, dos agentes uniformados se presentan en su casa; los Miller, confiados, les dejan entrar. Comienza entonces una auténtica pesadilla.

Bandeja de Plata pre-opina: desde que en 2007 dirigiera esa locura sin sentido llamada “El número 23″, Joel Schumacher ha perdido completamente el norte; 2012 nos devuelve al cineasta alemán con un reparto de lujo para un argumento demasiado manido, y del cual tenemos un ejemplo español reciente (Secuestrados), con mucho mejor resultado.

El Monje (The Monk)

Dirección: Dominik Moll

Reparto: Vincent Cassel Deborah François, Josephine Japy, Sergi López

Sinopsis: Satanás (Sergi López) intenta corromper a un joven novicio, el hermano Ambrosio (Vincent Cassel), que es abandonado a las puertas de un monasterio cisterciense, donde es acogido y educado por los monjes.

Bandeja de Plata pre-opina: Moll es un director francés que no se prodiga demasiado en las carteleras, pero que cuando decide afrontar un proyecto lo hace con todas las de la ley, como demuestran sus dos únicos films: “Harry, un Amigo que os Quiere” y “Lemming”. Repite con Sergi López después de su primera película, y plantea un argumento de lo más interesante. Una buena opción para este principio de año. Además, ver actuar a Vincent Cassel es siempre un regalo.

J. Edgar

Dirección: Clint Eastwood

Reparto: Leonardo d Caprio, Naomi Watts, Josh Lucas, Armie Hammer, Judi Dench

Sinopsis: en 1924, con solo 29 años, Edgar Hoover fue nombrado director general del FBI para que reorganizara la institución. Ocupó el cargo hasta  su muerte en 1972, sobreviviendo a 7 presidentes, alguno de los cuales intentó inútilmente destituirlo. Los archivos que Hoover guardaba celosamente, llenos de secretos inconfesables de importantes personalidades, lo convirtieron en uno de los hombres más poderosos y temidos de la historia de los Estados Unidos.

Bandeja de Plata pre-opina: Vuelve Clint Eastwood, y cada vez que eso ocurre, es motivo de celebración. En esta ocasión el octogenario cineasta americano se atreve con uno de los personajes más importantes de la historia americana. Un reparto excepcional, liderado por un di Caprio que, como siempre, asegura una interpretación creíble. El trailer es de los más prometedor, el tema también. A pesar de haber recibido el mismo número de críticas positivas que negativas, estoy seguro que ver “J. Edgar” será todo menos una perdida de tiempo. Porque Clint lo vale.

La Libertad está en Nosotros (Popieluszko, Wolnosc jest w nas)

Dirección: Rafal Wieczynski

Reparto: Adam Woronowicz, Artur Balcynski

Sinopsis: Hostoria del sacerdote católico Jerzy, beatificado en 2010 por el Papa Benedicto XVI; murió como un martir por apoyar al sindicato obrero “Solidaridad”, que se rebeló contra el régimen comunista polaco. El coraje y la fé de este hombre arrastró a muchos compatriotas que arriesgaron sus vidas en defensa de la libertad.

Bandeja de Plata pre-opina: ¿qué puedo decir sobre este tipo de estrenos? Fracamente no tengo ni idea del director ni de los actores; tan sólo comentar que como mínimo algo aprenderemos de historia viendo esta película.

Underworld: el Despertar  (Underworld: Awaakening)

Dirección: Mans Marlind, Björn Stein

Reparto: Kate Beckinsale, Michael Ealy, India Eisley

Sinopsis: después de haber estado en un estado similar al coma durante quince años, la vampiro Selene (Kate Beckinsale) descubre que tiene una hija de catorce años mitad vampiro, mitad licántropo llamada Nissa. Cuando ella la encuentre deberá detener a Biocorn en su intento por crear una raza de Super-Licántropos que quieren acabar con ellas.

Bandeja de Plata pre-opina: madre mía, que ya van por la cuarta entrega. ¿Cómo es posible que alguien haya financiado semejante despropósito? Porque sí, opino con cierto criterio, ya que allá en 2003 me atreví a ver la primera entrega en el cine y os aseguro que tuve más que suficiente. Pero que le vamos a hacer, los vampiros están de moda…